PAM回顾 | 周力个展“桃花源·迹”闭幕沙龙实录

深圳当代艺术家系列之二：“桃花源·迹——周力个展”闭幕沙龙于8月20日在坪山美术馆报告厅圆满举办，此次沙龙由坪山美术馆馆长刘晓都和策展人贺潇主持，特别邀请孙冬冬、孙啟栋 、沈奇岚 、周啸虎四位与谈嘉宾，围绕艺术家周力至今为止的艺术实践，和本次展览的策划实施所呈现的问题展开对话，以立体而直观的挖掘与透视艺术家工作个案的不同面向和美学意涵。以下内容为本场沙龙实录，发布前经过与谈人审校。

刘晓都

坪山美术馆馆长

每一种艺术类型都有自己的特征，建筑学曾经也是艺术的一部分，绘画是独立的存在，绘画就是脱离内容、脱离表达的情绪之外，还是具有绘画性独有的特质在里面。比如建筑学，除了人居住在里面，还有纯粹的建筑学的一件事存在。专业的建筑师每天都在琢磨，可能很多人不在意，也不会发现，其中有很多逻辑、很多原理，比如线条、光线、古典立面、序列，有很多元素组成，使建筑变成一个整体。绘画同样是独立存在的一门学科，我看周力的作品就有这样的感受，把她的画抛除其他东西之后，仍能看到一些很纯粹的内容。

在我当上美术馆馆长之后，经常开玩笑说，我做建筑师一直是乙方，成了美术馆馆长就成为甲方，在甲方和乙方之间不断转换的状态，还挺好玩的。作为一个运营者，我跟在座的所有人位置、状态都不一样。运营的人，不一定要对很多专业上的内容特别了解，是个绝对专家，因为贺潇、啸虎老师他们更专业，我会向他们请教，请他们帮忙，形成合作的工作模式。只要把这个工作模式和机制设置好，美术馆的引擎就能带动起来，有多大的马力就能做多大的事。级别更高的美术馆有更大的责任，我们这座区级公立美术馆没那么大责任，所以专注推动深圳当代艺术家，推动美术馆成为珠三角、大湾区最重要的艺术机构之一，是我们期望达到的目标。站在这个位置，我们的眼界、标准就不是区域性的，更应该是国际性的。我们在往这个方向努力，想办法保持这样一个基本状态和水准。

孙冬冬

策展人

看了周老师的作品之后，我认为在当下这个时刻，一个艺术家没有被外部环境所击倒，持续地通过艺术表达对于这个世界的看法、对艺术的热爱，这是非常积极的、非常鼓舞人的。在这个展览中看到周老师2005年的作品，正好可以形成一个比较。作品变化还是非常明显的，在她原来的作品中，能看到一种比较传统、经典的构图方式，是一种主体性，我不知道这是她以往作品中一贯的，还是只在那件作品中体现出的，但正好可以做一个比较。05年的那件作品已经有了一个非常明确的空间意识，这个空间意识可能就是一种很明确的构图关系，可以通过粘贴的方式、材料的方式显现出来。在画面中央有一个视觉主题。比较现在的作品，她的绘画呈现出弥漫感、弥散性，但是又不能把现在的绘画当作一种氛围感的绘画来看待，它不是效果也不是氛围。不管是从事具象绘画还是抽象绘画，对于画家来说都是很具体的工作。这个具体的工作就展现在如何制造一个艺术家内心的世界，就是她脑子里已经有的那个世界如何通过画面再现，这个再现不是写实的再现，而是把意向感建造和传达出来。现在周老师的绘画更强调用线的关系，看上去好像很多东西都不是结构感特别强的状态，反而是在点线面当中看起来彼此没有联系，在一种很弱的关系中建立某种强度，这是很有趣的修辞方式。她的画看起来只是追寻了形式主义的平面的空间逻辑，但是仔细看这个空间是有深度的，这种状态非常符合“桃花源·迹”的主题，既是现实的又是幻想的，但是这个幻想又来自于现实的体验。周力老师的作品就像是一个契机，不断让我们返回到身体层面、感官层面、现实层面中一些我们慢慢麻木或者淡忘的一些情绪。

绘画对于现代的意义，尤其是对于中国的当代艺术来讲，我们长期在学那一套系统中，被现实中的东西训化了，眼睛没有主动性，它完全被客观化了，感官一旦失去主观性，脑子也变得迟钝了，所有东西都被牵着走，你的反叛、激进变成了现实的另一面，一体两面，无法真正达到艺术世界中的自由状态。抛开中国当代艺术的现场，回到全球视觉环境，绘画到底意味着什么？我觉得要回到绘画的源头，绘画是人类发明的一个艺术媒介，一开始是为了留住记忆，这个记忆中就包含着现实的历史，也包含着时代给予每个人带来的感受，都会被这个媒介记录下来。传统的艺术媒介和现代艺术媒介最大的不同的点就在于它的自然性，可以不依靠电子媒介，它不需要那么快的迭代，反而因为它更加自然，能留的时间更久一点的，绘画比影像作品留在这个世界时间更长一些，性质更稳定一些。绘画的主动性又能把所有时代的经验重新进入到绘画上，它是一个时间范围特别广的艺术媒介，这个媒介和其他媒介的经验可以彼此嫁接。这是现在在这个时代中画家们越来越多尝试做的工作，它既不是60年代或者40年代现实主义时期对于绘画带有本体性质的、特别强调时代性的形式主义的那套逻辑，也不像以往完全要现实主义的那一套，反而越来越开放了。

一个美术馆基于一个城市做一系列的展览，肯定是有价值和意义的，是参与到一个城市的文化建构中去，主体性是这个时代很重要的主题。十多年前有大批从深圳出去的艺术家，他们曾经在深圳做出过有影响力的作品，之后很多人选择去了北京、上海，2013年后，又开始有很多新的艺术家来到深圳，这种迁徙的现象值得讨论，这里面肯定有一套内在逻辑。这不仅跟深圳一系列的文化、政策都有关系，可能也有艺术家重新看待自己的职业生涯、看待这个城市在世界城市中扮演的角色，在未来的展览中，能把这些问题带入更多有意义、有价值的讨论。

沈奇岚

 艺评人

展览的题目叫“桃花源·迹”，走进展厅，里面有一种粉色微醺的氛围，是一种女性艺术家特有的敏感和尖锐才能实现的。这种粉色带着一种忧郁，而且忧郁到残酷，男性艺术家不能到达的那个度。对残酷的理解、对血的理解，总是隐喻在下面那一层，而不是浮于表面让人直接看到，它里面藏着一种忧郁和残酷性。古代的桃花源记中人们逃避现实，归隐，但在现实这个气氛空间里，似乎能听到遥远的渔樵归隐的醉酒欢歌。过去我们是看平面的画，上面有很多线，但现在是走进了画本身，或者说进入了周力老师艺术世界的内部。更直接一点，上面的笔触、色彩，包括墙面的颜色、不锈钢的造型，进入这个氛围的时候，自然就把身体带入到这个画中。特别是洞穴感，加了一个废墟般的柱子，对空间的把握挺成功的。我认为艺术现场应该是起到一种引擎的作用，它一定是一个发动机，能带动观众共情、参与。当人们进入“桃花源·迹”，会被带动，会微醺，会遥远地听到文人醉酒欢歌，会有一点忧郁淡淡埋在下面。像一种引擎带动进入这个展览，我们可以不用眼睛看，而是精神去感知。

周老师的画里保持着绘画性本身的光和色，当我们把线、书法、符号拿掉之后，我能感受到光色在里面跳动，一刹那回头好像看到荷塘，呈现出光和色的关系，这是绘画性一直传承下来的，在艺术家画画时不经意间产生的。我刚才说进入空间和进入画面的原因就是因为它有光和色、形往外渗透。我觉得点睛之笔是展览中那幅素描，撇开它所透露的气息、生命力不说，后面所有的工作突然发现是有出处、有原因的，这个线路的逻辑关系理顺，素描作品放在展厅里面，虽然尺寸不大，但是其视觉强度比九米的作品强度更大，会隐隐约约感觉其中有内在性，有生命的含义，有原始的冲动的用笔，很有说服力。

美术馆引领一种思路和审美，现在坪山美术馆推出一个区域的艺术家，也是站在一定的高度在做事。中国有很多区域、有很多中心，上海是一个中心，深圳也是一个中心，站在深圳当代艺术的角度，我们如何在一个区域中心提出共同话题，这就具有覆盖性，这个出发点是重要的，但是这个出发点不仅仅代表区域性的点，而是整体辐射，是全球性的共同话题。区域发声和公共关注，这两个矛盾解决好了，就有了全球共同性。

 艺术家自述