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【IFA-艺术赏析】视觉“欺骗”——令人产生视错觉的欧普艺术

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欧普艺术是西方二十世纪兴起的艺术思潮，源于20世纪60年代的欧美，又被称为「视幻艺术」或「光效应艺术」。

欧普艺术作品的内容通常是线条、形状、色彩的周期组合或特殊排列。利用垂直线、水平线、曲线的交错，以及圆形、弧形、矩形等等形状的并置，引起观赏者的视觉错觉。它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于多种设计领域。

维克多·瓦萨雷里

Victor Vasarely

欧普艺术诞生于第三次技术革命初期，科学技术的发展让各个学科领域间的联系不断增多，艺术与科学的联系日渐紧密，因此欧普艺术的视错觉创作与心理学开始建立了联系。

心理学中对错觉的解释为：“错觉是在特定条件下产生的对客观事物的歪曲知觉”，错觉可以发生在视觉方面，也可以发生在时间、空间、声音等诸多方面。而人为什么会有错觉，至今仍是个科学难题，还没有一种理论能解释所有的错觉现象。

欧普艺术的始祖之一维克多·瓦萨雷里（Victor Vasarely），是出生于匈牙利的光效应艺术大师，他的作品多以网格式的图案为基础，通过对形状、色彩、色调的巧妙安排，达到错觉的运动感、空间感、炫目感。他将线性透视应用于作品中，以产生虚幻的效果，形成了“多维度的错视艺术”。

维克多·瓦萨雷利在二十世纪三十年代创作了第一幅重要的作品–斑马（Zebra），这幅作品由黑白条纹的曲线组成，被认为是欧普艺术流派的第一代表作品。

Athem Oil on canvas

Dombor-X, 1973-77 Oil on canvas

Kezdi, 1989-90 Wooden multiple hand-painted in acrylic. 66.4 × 64 × 7.8 cm

ME-TA from Bach, 1965 Silkscreen 52.7 × 48.3 cm

Beryl, 1966 Acrylic on wood. Ed.IV/X 36 × 36 cm

Keple-Gestalt, 1968 Acrylic on canvas 159.4 × 159.4 cm

Victor Vasarely有系统的讨论了蒙德里安与康定斯基的作品和理论之后，对于整个色彩理论、视觉及幻视的历史做了详细的研究。欧普艺术的理念及作品特征，大多能见于他的作品上，可说他是欧普艺术的先驱及代表者。

Pokol BC, 1968 Silkscreen on paper 68 × 68 × 4 cm

Tigres, c. 1970 Lithograph 44.5 × 66 cm

Victor Vasarely的画面像在方格子上配置了许多小圆形，或是像老虎或斑马纹样的抽象图型；因色彩和调子的奇妙组合，这些图形做螺旋状的运动。他的绘画，无论是黑白或彩色，都省去中间调子、利用几何图形，制成欧普艺术的错视。

对于欧普艺术，他说感受作品比了解作品更重要，尤其对观者的生理发生作用的艺术，把知性常识带进来是非常不切实际。

Erebus, 1982 Glass with wood and chromed metal stand 33 × 25 cm

Orion Gris Acrylic on canvas 199.8 × 199 cm

他曾说：“我们已经隔绝旧的静的抽象画，欧普是视觉的新尝试” 。

他用“波纹模型”技巧，把平行线、曲线相互重叠，在人们视觉上，使画面呈现出实际上下存在的阴影和波纹。

珍·斯塔克

Jen Stark

“很多艺术家都很感性，快速完成的视觉作品会让他们兴奋，而吃力不讨好的创意则会让他们失去创作激情，我要做到的是两者兼备。”

设计师Jen Stark是一个很纯粹的艺术家，她的作品并没有什么商业目的性，只是为了满足她的视觉享受，或完成一个突发奇想。有的时候实验性的将一个颜色和一个颜色的叠加就让她的创作欲望变得一发而不可收，最后成了一个不错的色彩空间作品。

Cosmic Strings, 2011, felt-tip pen on paper, 20 x 26 in.

The Whole, 2012, installation of hand-cut acid-free paper, foam board, glue, drywall, 3 x 3 x 3.5 ft

Meltdown (permanent mural inside Miami International Airport), 2014, latex paint, approx. 13 x 25 ft

Jen Stark的艺术源于她对视觉系统概念化的兴趣，以模拟植物生长，进化，无限，分形，模拟地形和神圣几何。使用可用的材料 – 纸张、木材、金属、油漆 – 斯塔克努力使剃须刀在光学诱惑和感知接合方面达到平衡。

Cosmic Shift (detail), 2015, hand-cut acid-free colored paper, foam board, glue, acrylic paint, wood, varnish, 37 x 24 x 25 in.

由此产生的作品通常类似于有机的，分子的，类似云的结构，并且充满了动态的，起伏的效果，使观众从沉闷的现实中脱臼，成为回声模式的沉浸式生态圈和自然界中发现的难以置信的设计。即使她生动的色彩也与自然界直接对话; 花的引诱/驱避性质促进授粉或昆虫警告鸟类的毒性，磷光海洋生物的光明神秘是斯塔克关注的问题。

Chromatic Cascade (mural at 1825 Conway Place in the Arts District, Los Angeles), 2017, latex paint, approx. 200 x 27 ft

通过这些物质抽象，观众被带到星界; 对斯塔克的作品有一种超越，振动阶段成为观众的神圣不可侵犯和治疗经验。在Stark的精神水库中，曼荼罗或nautili的痕迹显示出自己是神圣的几何形态。

雅各布·阿加姆

Yaacov Agam

作为世界知名的动态艺术家，雅各布·阿加姆(Yaacov Agam)开创了一种全新的艺术形式，强调变化和动感。他师从于包豪斯学派（Bauhaus）的色彩理论大师约翰·伊登（Johannes Itten），随后摒弃了传统绘画与雕塑的静态理念。自1953年在巴黎举办首次个展以来，阿加姆获得了巨大的成功，成为了现代最具影响力的艺术家之一。