克林姆特的风景画

二十世纪初，维也纳分离派代表艺术家古斯塔夫·克林姆特（Gustav Klimt）几乎每个夏天都会前往奥地利境内最大的山区湖泊阿特湖（Lake Attersee）度假消遣，直到1918年离世。

Gustav Klimt，Litzlberg on Lake Attersee， 1914

他最为著名的，具有强烈装饰风格的‘金色’人物系列作品常常是最先进入人们脑海里的画面。这些由‘爱’、‘性’、‘生’、‘死’为主题的委托肖像作品只是他艺术创作的一面。事实上，大量的风景画作贯穿着他整个艺术生涯，占他作品总量的四分之一。其中大多数描绘的就是奥地利阿特湖的景色。

Gustav Klimt

克林姆特在那里度过了15个夏天，也在画面上进行着无数次光与色调的冒险。这些风景画成为他装饰性绘画风格有效的艺术实践。

Gustav Klimt，Calm Pond on the Kammer Castle Grounds, 1899

Vienna, Leopold Museum.

Gustav Klimt，Quiet pond in the park of Appeal，1899

Vienna, Leopold Museum.

Gustav Klimt，Lake Attersee，1900

Gustav Klimt《阿特湖中的小岛》Island in the Attersee，1902

艺术史学者们普遍认为克林姆特早期风景受到了印象派绘画的新启发。

克林姆特的风景创作最早可以追溯到十九世纪80年代末。

生动而独特的郊外和湖区景色给了艺术家逃离都市，前往乡村园林和偶尔出国的机会，同样也让他获得了更多的创作自主权。毕竟，克林姆特的那些广为人知的肖像画作大多为‘命题作业’（委托创作）。

Gustav Klimt，Horticultural landscape with a hilltop，1916

与他戏剧性颇强的肖像画作不同，克林姆特的风景鲜少出现叙事元素和人物，凝视他的风景画会有一种时间被静止的安宁感。作为‘亿元俱乐部’成员，虽然克林姆特这些色彩明亮的风景作品并不常见于拍卖市场，但和他的肖像作品一样——价格高昂。

Gustav Klimt《花草农园》Bauerngarten，1907

Gustav Klimt，Portrait of Adele Bloch-Bauer，1907

2017年，作为当世最受热捧的艺术家之一，克林姆特于‘金色时期’创作的风景画《花草农园》（Bauerngarten，1907）在苏富比在伦敦举行的“印象派与现代主义”夜场拍卖中以4800万英镑（约合人民币4.056亿元）的价格成交，与他的金色肖像《阿黛勒·布洛赫·鲍尔 》（Portrait of Adele Bloch-Bauer I， Portrait of Adele Bloch-Bauer II）出自同一年。

正方形和取景器

克里姆特不像其他风景画家一样喜爱描写远景和开阔景色，而是非常喜欢刻画由简洁图案组成的静谧小景。花园，茂密森林，种有果树的草地，被丰富蔬菜、植被包围着的农场，亦或者是河岸和湖区的局部景色都是他感兴趣的描绘对象。

Gustav Klimt，Poppy Field，1907

和《花草农园》一样，克林姆特的大多数风景画均在统一尺寸的正方形画布上完成。方形画布虽然一方面加强了视觉冲击力，但另一方面也容易导致碎片化视图，以至于观者在他的风景作品中从未全面欣赏过艺术家所看到的全部风景。

Gustav Klimt，Malcesine on Lake Garda，1913

Egon Schiele,Krumau on the Molde, The Small City，1912-1913

古斯塔夫·克里姆特和埃贡·席勒

描绘城镇的风景作品显示与其同时期艺术家埃贡·席勒的相似性。依水而立的拥挤城镇，坚固的彩色建筑群依次排列，忽略了透视关系，像是一幅挂毯呈现于观者眼前。席勒为克林姆特的学生和亲密好友，相传二人经常一起待在工作室中，细细研究对方未完成的风景作品，并把它们带回自己的工作室去完成或者添加最后几笔收尾。

当然，作为现代主义艺术推手之一，克林姆特和20世纪之交出现的同时代艺术家一样，作品已不再讲究‘学院派’所重视的透视关系，从西方传统绘画中执着于旧程式的古典学院派绘画风格中跳脱出来,越发强调二维空间的平面效果。

站在望远镜前的克林姆特

为了更好地呈现近景效果，克里姆特甚至使用了大量的取景器。从最初一个被切割出圆洞的硬纸板、到观看戏剧时使用的小型双筒望远镜，甚至还会使用景观望远镜穿过湖面去观察对岸的景色，不论是花卉、树木、还是河岸建筑自上而下一览无余。而望远镜因为抹去了纵深关系也让他眼中的风景变得更加扁平化。

Gustav Klimt，Church in Unterach on the Attersee 1916

这一特点在《花草农园》中也有清晰的体现，所有的花朵都被平铺呈现在画面中，簇拥着面向观者绽放。

自然和抽象

自然主义和抽象结合是克林姆特最为明显的创作风格，他喜欢将自然形式与高度风格化装饰纹饰并置对比。另一大特点则是忽视传统绘画规则中对平衡感的强调。在他最为著名的作品《吻》和《阿德勒·布洛赫- 鲍尔夫人肖像》中，克林姆特将他的人物以一个特别的角度呈现，脸颊和胳膊以写实的形态刻画，其它部分则被密集的装饰纹饰、服装和造型图案包围。

Gustav Klimt,The Kiss，1907-1908

Gustav Klimt,Birch Forest，1903

同样的想法和构思也出现在克林姆特的风景作品中，在不同作品中呈现不同程度的抽象形式。比如，在《桦树林》（Birch Forest，1903）中，树皮的纹理以非常写实的手法描绘，与之并列的是非常抽象的橘色和绿色的树叶，成为极为辨认的克林姆特式风格。

Gustav Klimt, Rose Bushes Under Trees, 1903

Gustav Klimt, The Park，1910

《树下玫瑰丛》（Rose Bushes Under Trees，1903）和《公园》（The Park，1910）也是很好的例子。画面的底部是写实树干和草地景色，而画布上方密集的树叶占据了构图的80%，形成微妙的纹饰图案，后印象派笔触则进一步强调了画面的平面性。这是一个非常行之有效的呈现方式，给予观者一个不断蔓延和繁茂森林的视觉感受。

Gustav Klimt, Forest of Beech Trees, 1902

在《榉木林》中，画中地平线被拉高，隐约可见的前后空间关系被细密如网的笔触抵消，将观者视线带回作品平面而颇具装饰性的表面。这些作品密集景致的另一个效果是融合观者的视平线，另观者‘迷失’在他们所注视的自然中。

金色和象征主义

克林姆特喜爱金色，大多数人认为这是受到他父亲——一位珠宝匠人的影响。而色彩作为装饰语言的重要组成部分，具有强烈的表现力。他在艺术创作的辉煌时期使用了大量的金色作为画面的主色调，甚至在他描绘的女性主题中使用真正的金粉和金箔，最为著名的便是《Beethoven Frieze》，因而也被世人称为‘金色时期’。

Gustav Klimt,Tree of Life，1905

Gustav Klimt ，Fruit Trees 1901

Gustav Klimt, Pine Forest，1902

在这一时期创作的许多风景作品中，虽然并没有使用真正的金箔和金粉（除《生命之树（Tree of Life，1905）》之外），但他却深知明亮黄色和暖橘有着同样使画面变得轻松柔和及生动的能力。诸多作品中都在斑驳笔触中使用了明黄色作为点缀。

19世纪末，在法国及欧洲其它国家出现的象征主义是部分艺术家、哲学家对当时社会现状和官方沙龙文化不满的产物。他们回避生硬直白的说教，采用象征、联想和隐喻的方式及符号在文学、戏剧和绘画等艺术创作中隐晦地抒发自己的真实情感。

Gustav Klimt,Death and Life,1908

处于奥匈帝国转型期的克林姆特自然也受到了这种思潮的影响，其中最具代表性的作品便是关于生命主题的思考的《女人的三个时期》、《死神与生命》、《希望》等作品。

Gustav Klimt,Apple tree,1912

Gustav Klimt,Farm Garden with Crucifix 1912

而在他风景作品最常见的花朵、苹果树、花园在文艺复兴和巴洛克时期皆是具有象征意义的图像符号，通常带有隐喻，代表着灵魂与上帝之间的关系，或是爱欲的世俗形式。

Gustav Klimt,The Sunflower，1907

而令克林姆特感兴趣的向日葵主题，也没有梵高的可爱率真，而是进行拟人化的处理。和所有作品中的花朵一样，将花蕊面对着画者和观者，如同他的人物肖像。