奥拉维尔·埃利亚松 Olafur Eliasson

奥拉维尔·埃利亚松（生于1967年）是一位丹麦/冰岛艺术家，现居于哥本哈根和柏林。1995年，埃利亚松从丹麦皇家美术学院毕业，在柏林创建了 “奥拉维尔·埃利亚松工作室”。他在柏林的工作室共有30多名手工技师、建筑师、几何学家、艺术史专家以及其他文化工作者。他们利用光、色彩以及自然现象，如雾和波浪来研究人体运动、感知体验以及身体与大脑的互动是如何作用我们对所处环境的感知的。在2003年第50届威尼斯双年展中，埃利亚松代表丹麦参展，同年，他在伦敦泰特现代美术馆的涡轮大厅里展出作品《天气计划》。《慢慢来》是2007年旧金山现代艺术博物馆组织的一个关于埃利亚松的总览性展览，在美国几个地方进行了巡回展出，现于悉尼当代艺术博物馆展出。埃利亚松参与了一系列的公共空间计划，包括了2003年第五届深圳国际公共艺术展中的《花亭》，2007年在伦敦与克雷蒂尔·索尔森一同设计的《蛇形帐篷》；2008年由公共艺术基金会委任其设计的《纽约瀑布》。作为柏林艺术大学的教授，埃利亚松于2009年建造了空间实验研究院，一项隶属于该大学的公共教育研究计划。

当今全球当代跨界艺术炙手可热的Olafur Eliasson也加入这个项目，而他为其设计的是一个动力学绘图仪。

绘图仪被放置在一个车厢中，当彩色的球体因为地形而晃动时，它在纸面上逐渐绘制出一个旅程的地形图。Olafur Eliasson的目的是让一段个人体验性质的旅程变成一个实物，让感性得以被记录下来。整个旅程预计会绘制20幅地形图，项目结束后，这些地形图会在柏林由Olafur Eliasson组合并赋诗。

Olafur Eliasson对于中国尤其是北京的观众并不陌生，2010年他与马岩松联合的“感觉即真实”展览在尤伦斯引起不小的轰动，生活在雾都的观众毫不犹豫跨进Olafur Eliasson制造的彩色水雾中体验“感觉即真实”。

Olafur Eliasson被世界广泛认可是在其2003年英国泰特美术馆的"weather project"之后，他的创作手段是非常多样的：水、雾、冰雪、矿物质、光的折射和反射、镜像、几何模型、万花筒结构、针孔成像术、生物工程学、激光、霓虹及特质灯具、各类金属、玻璃、新型化工和电子产品等材料方法都是他在作品中经常用到的。他认为自己的作品是“为体验现实而设计出来的产物”。作为一位炙手可热的当红艺术家，他的许多作品如今已成为广泛的私人和公共收藏，比如纽约的古根海姆博物馆和洛杉矶当代艺术博物馆。他参加的展览更是不胜枚举。

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在伦敦泰特美术馆创造了一个太阳

埃利亚松2003年于英国泰特现代美术馆实施的作品《气象计划》(The weather project)常常被人视为埃利亚松近年来的标志性作品。Olafur Eliasson把泰特现代美术馆的Turbine Hall 大厅变成一轮人工装置的太阳，数百根黄色的灯光组成一个半圆形然后通过天花板的镜子折射出一轮完整的太阳, 并把大厅的天花板改造成了镜面，许多观众在这壮丽的景观面前流连忘返。展览期间吸引的参观者数量累计达两百万人次。

埃利亚松的创作手段是非常多样的：水、雾、冰雪、矿物质、光的折射和反射、镜像、几何模型、万花筒结构、针孔成像术、生物工程学、激光、霓虹及特质灯具、各类金属、玻璃、新型化工和电子产品等材料方法都是他在作品中经常用到的。

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其它作品

他善于从自然现象中捕捉灵感，利用光、风、雾或水创作雕塑装置，以引起人们感官体验的共鸣。

Eliasson的作品强调的时光、折射和给例的技巧，往往包含每一个观众自身的独特经验，他要用艺术来表现自然现象，并通过技术手法进行再创造，强化它的表现效果。

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彩虹全景，位于丹麦阿罗斯奥胡斯美术馆屋顶

由于埃利亚松作品的特殊之处，常常需要研究大量的自然科学材料，有时会借鉴使用一些有机形态，诸如晶体、水流、气流、生物结构等因素都是他研究和创作的参考、灵感的来源。

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“观景器”（viewing machine）位于巴西 Brumadinho 的当代艺术中心及植物园 inhotim

你可以看到他的作品从外形上来说大多都不是常规形态，而可能是螺线型、多棱行、蜂巢状、六角形等等，充满了强烈的设计感，制作工艺极其复杂。作品的每一个细节都必须经过精心的设计和严密的实验，甚至像真正的科学研究一样。

《视野之中》

这件作品是埃利亚松为弗兰克·盖里设计的巴黎路易威登基金会大楼而创作的公共装置，43个造型简约的柱体构成了一个炫目的柱廊，镜面和黄色的玻璃板将它们包裹起来，散发出了新锐独特的光彩，充盈在了整个公共空间之中。这件作品展现出光影鲜活的动感，并为人们带来了不断更迭变幻的视角。

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《三角形的天空》

这件作品是埃利亚松为丹麦奥尔堡市现代艺术博物馆设计制作的户外大型装置作品。它是由V字形的白色三角玻璃板组合而成的，它在阳光的折射下，为观者带来了多彩的感官体验和多样化的可探索空间，周围的风景、人物和建筑物在这件作品的反射中，展现出了普通事物所蕴含的非凡性特征。变化多端和丰富多彩的世界，在这样一件作品中被演绎而充满了无限的寓意。

《Dnepropetrovsk 日出》

这个人造太阳，是对自然界日出日落的正常规律的带有反叛性的再造，埃利亚松认为艺术有阐释视角、不确定性和提供新鲜的刺激信息的功能，而工厂却是同严谨的生产过程和条例联系在一起的，二者的差异性反而会营造出一种特别的意味，他将这件作品视为一个可以体现人们的需求和价值的事物，正是有了它的存在，才会激发出这座城市中的人群的潜在审美水平。

《锥形螺旋》

《锥形螺旋》是一件具有强大视觉吸引力的装置，它位于德国慕尼黑的Lenbachhaus博物馆的中庭中，它被安置在每天来来往往的人流的头顶之上，似乎将有限的天顶空间进行着无限的拓展。它由抛光金属、有色玻璃等材质组成，具有极强的视觉张力。它彰显出一种来自于螺旋造型的强大的动感和活力，当风力发生作用时，这件作品便会产生更具幻觉效应的运动，人们可以体察到其中蕴含着的对于各种自然现象的再造，其中包含有水的振动、循环的飓风、海洋中的波浪，甚至还有流动的星系。种种源自于自然现象的物质化想象，振动着人们的心扉。

《哈帕——雷克雅未克音乐厅和会议中心外观设计》

位于冰岛首都雷克雅未克的哈帕-雷克雅未克音乐厅和会议中心是当地的标志性建筑，它是 Olafur Eliasson 与Henning Larsen Architects建筑事务所还有ArtEngineeringGmbH公司共同合作完成的作品。立方体的玻璃材质构成了它极具光幻效应的外观，随着日间光感强度的变化而做出一系列的强弱改变。这些透明的立方体的设计灵感，来源于冰岛这个国家的独有景观——北极光。这座建筑位于临近海洋的陆地之上，特别的地理位置使其拥有了兼具大地与海洋特征的艺术语言。它体积庞大、光彩无限，无时不刻地影响着周围的空间，也同时影响着人们的行为和生活方式。

《你的身体》

《你的身体》是由青色、品红、黄色组成的滤色器箔、木材、聚光灯组合而成的装置作品。它探讨了色彩与空间、身体感应与自我认知的多重关系，它强调了光线的折射比例与技巧，通过观者亲临现场的各异体验，展现出一个静态作品的动态可能性，以及真实与虚拟空间的悖论。人们从不同角度观看《你的身体》，会感觉到视野随同位移的方向而产生出或出乎意料、或豁然开朗等不同的心理体验。

《与光彩共舞的气泡》

空间、色彩与光束，在《与光彩共舞的气泡》这件作品中，展现出了一种微妙的平衡，人们在近距离地观赏它的时候，会产生同时间与空间的距离似乎变得愈发接近的体验感受。

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Olafur Eliasson用泥土和石头将路易斯安那现代艺术博物馆装扮成了“河床”的样子。

“河床看起来像真的一样！”装置作品栩栩如生的状态确实很吸引人，但Olafur更希望观者去体会和比较展览与真实自然之间的差别。穿过展厅的过程成为了展览的意义所在；这一过程实际是一次由内而外、从人造到自然的穿越，虽然短暂但却流畅。Olafur的展览让我们对这家博物馆、对我们自身、以及这个世界都加深了认识。

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奥拉维尔·埃利亚松访谈录

过去六年间，丹麦冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）一直在和一位化学家合作，试图创造出一系列的颜料，来对应可见光谱上的每一纳米。在测设颜料的过程中，他创造出了碟片状的数字绘画，命名为《色彩实验画作》（Color Experimen Paintings）。去年，作为这一系列的新作，他分析了七幅英国著名画家J.M.W.特纳的画作，并创作出相应作品，来提取特纳对于光线和颜色运用。埃利亚松的新展《特纳的色彩实验》（Turner Color Experiments）目前正在泰特美术馆和特纳的画作一同展出。

在实验之外，人们也许会说埃利亚松将很多特纳的实践和想法转译到了现代时空中。这位当代艺术家，和他的前辈一样，对于人类如何接收光、以及它所创造出的短暂氛围非常感兴趣。作为他们艺术实践的结果，两位艺术家观察风景和变化的光效——特纳用水彩作画，而埃利亚松在行走、航行、飞行中拍摄了冰岛的风景。特纳同埃利亚松一样，对颜色理论也非常感兴趣，他甚至在皇家艺术学院开设了一门课程，并出版了关于套色版的著作。

但是也许对于埃利亚松来说，最深层次的回响在于，特纳的“塑造和使用光线的卓越的情绪能力。”他在自己的作品中也努力达到这一效果。“情绪能力”，埃利亚松指的是特纳，尤其是晚期抽象画中，用持续旋转的笔刷将观者包围其中的能力。然而真正要感受到特纳作品的力量，观者必须花费大量的时间，这也是埃利亚松希望他的作品系列能够鼓励观众去做的。接下来的访谈中，埃利亚松就将谈到关于展览、特纳的问题。

Hyperallergic：在你的作品中，观看中总会陷入大型的装置中：没有中心，没有明确的开始和结束。但是在你此次的展览，我们却被仅仅放在了一组绘画前。你为何此次选择在这样一个扁平的平面上工作？

奥拉维尔·埃利亚松（OE）：我在这一色环项目上已经工作了好几年了，此次泰特的展览是它的一部分。我的目标是根据可见光的完整光谱建立一套全新的色彩理论。这一工作涉及到将光线变成颜料，尽管这一议题一直以来都是绘画的核心议题，尤其是在特纳的绘画中。因此，选择一个扁平的表面，比如画布，绘画就必须处理艺术品自身的主题。我觉得环形的形状产生了而一种无尽的感觉，允许观看者用一种去中心化的、盘旋的方式观看作品。

Hyperallergic：你说过，你希望从他的作品已经变成的欲望的对象中抽离出特纳对于瞬时的感官。你觉得你的系列是在找回特纳作品被忽略的核心吗？

OE：特纳的作品一直以来都被大加赞赏，已经太熟悉，太学院化了。你也许会说：我们已经忘记如何看待它们了——我们忽略了它们到底有多激进。对于特纳来说，颜色从不是自治的现象，或者一种自身美学的重点——他用其创造短暂的效果，来扬弃现传统的描绘。那些作品很抽象。我记得我小时候第一次在艺术史书中看到特纳的作品时，我想，“哇，这幅这么抽象的作品在所有这些传统、写实的绘画面前能做什么呢？”但我认为在抽象中，颜色更加来自表现。我创造的作品都是自成一体的，和特纳的作品完全独立。这是我希望人们观赏其的方式：我们需要拥抱抽象，并被抽象拥抱。

Hyperallergic：颜色实验中使用的特纳作品都灵感来源于自然现象，这和你的作品一样。似乎有一种作品的层面：特纳转译他的自然体验，而你相反，将特纳的视野i转译进你的绘画。自然在这一系列中的角色和过去的作品中有什么不同吗？

OE：这个问题很有趣，我认为触及到了关于如何我们理解自然的非常重要的方面。我不相信你可以真正割裂自然和文化，因为事实上文化并不在自然之外。作为动物，我们人类一直是自然的一部分。科学记者Lone Frank在最近一次跟我的谈话中说，“文化是一种生发于人类大脑运行方式的东西，来自于我们作为动物的方式。”我们认为，我们知道自然是什么，当更多是通过我们排除在外的部分来知道，即我们称之非自然的东西。

我假设你的观点是， 我的绘画是某种对特纳对自然体验的仲介的仲介。但是也许我们应该将颜料也看做自然的一部分，将绘画看做某种我们可认知的自然物质现象，就像我们感受彩虹，河流，或者火山一样。

Hyperallergic：大卫·霍克尼曾经说，“在我们理解空间和在空间中行动之间，有一种关系”。在你的作品和特纳的关系的前提下，你如何来解释这个想法？

OE：这是一个很吸引人的提议，但是我通常对艺术品所描绘的、所产生的如何让你在空间中行动，也即践行（performative）的方面，并不感兴趣。

Hyperallergic：你之前在该系列中也曾创作过别的作品，尤其是摄影。这些绘画在《特纳的色彩实验》中和别的作品的关系是什么？你呈现它们有什么顺序吗？

OE：我最开始创作这一系列时，收集了30多幅特纳的作品，然后我慢慢挑选出我感觉色彩最多样的作品。为了决定泰特美术馆的展览，我在我的工作室中创造了草稿，我在这些画作的复制品中走来走去，尝试不同的摆放，直到我找到我喜欢的那一幅。这是一个非常主观的过程。

Hyperallergic：如果没有特纳的画作，你如何单独看待这些作品？

OE：这些作品是实验或者研究，但是当然他们是独立的艺术品。实验很重要，但最后它仍旧是艺术实验；没有什么假说或科学方法在背后。即便在“完成”的状态，这些作品也将继续实验。我试图保持这种张力，创造提出问题而非解决问题的作品。