Richard Hamilton 理查德汉密尔顿“波普之父”

理查德·汉密尔顿肖像

“通俗艺术作为不同于美术的一个部分，今天并不存在。波普艺术今天的对等物是消费者的产物，它有众多的人口来消受，由巨大的娱乐机器来创造……其结果是高度的个性化和老练，但也有其健康的活力。”

(Richard Hamilton)是世界上最有影响力的当代艺术家之一，波普艺术的领军人物，杜尚的学生，英国最具有影响艺术家之一。他的代表作有“到底是什么使今日的家庭如此非凡迷人”。

理查德·汉密尔顿(1922-)出生于英国皮姆利科，作品风格曾受到“达达主义”艺术家杜尚影响。小学毕业后，汉密尔顿便开始从事广告工作，并在多所艺术学校的夜校就读。此后，汉密尔顿长期教授设计课，使他格外注重解决问题的能力，同时也对其绘画生涯产生重要影响。汉密尔顿奠定了波普艺术的创作方法，即通过直接挪用社会生活中的一些形象来创作作品，采用印刷拼贴是他最常用的创作方式。汉密尔顿的艺术观，体现出上世纪50年代伦敦和纽约年轻画家寻求独特时代气质的愿望。

波普艺术源自上世纪50年代初期的英国，是上世纪英国艺术中充满生机和繁荣的部分之一。从1952年开始，以伦敦当代艺术学院为中心，开始讨论当代技术和通俗表现媒介的相关问题。汉密尔顿等一批年轻画家、雕塑家、建筑师和评论家自称为“独立派”团体，着重讨论大众文化和含义，例如西方电影、广告牌、机器之美等，该团体迷恋新型城市通俗文化，特别被美国的表现形式所吸引。波普艺术一词最早出现于1952年前后，他们认为公众创造的都市文化，是现代艺术绝好的创作材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。汉密尔顿成为有力推动这一思潮发展的艺术家。

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1985年，美国人罗伯特·劳申伯格在中国美术馆的展览，掀起了“85新潮美术”，启发中国现代装置艺术的萌芽生长。劳申伯格是上世纪50年代中期以后波普艺术风潮里最重要的艺术家之一。而比劳申伯格早生3年的英国人汉弥尔顿，是后现代艺术鼻祖马塞尔·杜尚的学生，也是波普艺术的开山鼻祖。1956年，34岁的汉弥尔顿为伦敦独立团体举办的展览“这是明天”创作了剪贴画《什么使今日家庭变成如此不同、有魅力？》，他从画报上剪下一个肌肉男，手里拿着一根棒棒糖，上书三个字母“POP”，既是英文“棒棒糖”（lollipop）的结尾，又是英文“流行、时髦”的意思。由此，“波普艺术”（Pop Art）一词诞生。长久以来，汉弥尔顿的作品一直致力于表现艺术、设计和大众文化三者之间的关系。

Just What Is It That Makes Today’s Home So Different, So Appealing

1956年在怀特查波尔艺术画廊举行的展览”这就是明天”中，理查德·汉密尔顿展出了他的一幅拼贴壁画的照片《是什么使今天的家庭如此独特、如此具有魅力？》（Just What Is It That Makes Today’s Home So Different, So Appealing），他的这幅题目冗长的拼贴画是英国第一幅波普艺术作品也是最典型的波普拼贴画，这件浓缩了现代消费者文化特征的作品格外引人注目，使波普艺术的特质得到更大程度的体现，其最显著的特征就是将目光投向日趋发达的商业流行文化，用极为通俗化的方式直接表现物质生活。这一作品表现了一个”现代”的室内，那里有许多语义双关的东西：波普这个词写在一个肌肉发达、正在做着健美动作的男人握着的棒棒糖形状的网球拍上，上有三个很大的字母”POP”，”POP”既是英文棒糖”lollipop”一词的词尾，又可以看作是”流行的、时髦的”一词（popular）的缩写(有人据此认为这是”波普”一词诞生的由来 )。沙发上坐着一个裸体女子，裸体男子的健美体格与裸体女子的性感肉体，也正是西方现代文化的潮流事物。房间采用了大量的潮流物品来装潢：电视、卡带式录音机、连环画图书上的一个放大的封面等等。透过窗户可以看到一个电影屏幕，正在上映的电影《爵士歌手》里面的艾尔·乔尔森的特写镜头。在创作这一作品时，汉密尔顿列了一张清单，列出他认为应该包括的内容：男人、女人、食物、报纸、电影、家庭用品、汽车、喜剧、电视资料以及当时杂志流行的形象，同时，它也全面预示了1957年汉密尔顿对波普艺术所下的定义，这显然也是艺术家本人对当时流行文化特征的一种概括。

《动荡的伦敦》系列，(Swingeing London series)，1967年-1972年。《动荡的伦敦》

（Swingeing London）系列中最著名的一幅作品，就是呈现米克·贾格尔和“帅鲍勃”因毒品

事件坐在警车后座，用戴着手铐的手遮挡面部的画面。

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1957年他曾说过他所追求的品质是通俗、短暂、消费得起、风趣、性感、噱头、迷人，还必须是廉价的，能大批量生产的。汉密尔顿的观点道出了50年代伦敦和纽约年轻画家的愿望：寻求独特的时代气质。      

汉密尔顿采用的生产波普艺术的策略——对现存图像进行复制、挪用和拼接——并不来自他的首创。如果要追溯拼贴画的历史，我们可以追溯到1912年毕加索的综合立体主义实验。例如，他在这一年创作的《静物和藤椅》，就在油彩中加入了贴纸的成分。这样，我们便可看到，所谓“综合立体主义”之“综合”，在于材料的综合。但立体主义者的实验仍没有超出本体论范围，他们在绘画中引入拼贴要素，毋宁说，是要通过加强绘画的物质性，把塞尚“画面自有其真实性”的观念赋予实体化的客观品格。维姆萨特说，一首诗应该成为言语的雕像（verbal icon），这话不仅代表了一种文学批评观念，而且代表了20世纪前期艺术世界在总体上的本体论诉求。如果说，文学还不过是由悖论、反讽、歧义等修辞手段构成的虚拟的雕像，而在视觉艺术这里，立体主义者却建成了具有物质现实感的实存的雕像。

波普艺术产生的背景：

波普艺术源自20世纪50年代初期的英国，是20世纪英国艺术中充满生机和繁荣的一部分，”POP”是英文”Popular”的缩写，意为”通俗性的、流行性的”，至于”POP ART”所指的正是一种”大众化的”、”便宜的”、”大量生产的”、”年轻的”、”趣味性的”、”商品化的”、”即时性的”、”片刻性的”形态与精神的艺术风格。就词义而言，波普是大众的意思，也含有流行的意思，所以也有人将波普艺术直接翻译成流行艺术。

早在20世纪40年代，照片就开始成为新的描述性绘画的部分基础。从那时起，一些年轻的艺术家也开始对摄影用于绘画感兴趣，他们认为这样可以使艺术更贴切地涉及到现实世界。从1952年开始，以伦敦的当代艺术学院（the Institute of Contemporary Arts in London）为中心的”独立团体”开始讨论当代技术和通俗表现媒介的有关问题。这个团体包括画家理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）、雕塑家爱德华多·保罗齐（Eduardo Paolozzi）、批评家劳伦斯·埃洛威（Lawrence Alloway）、艺术史家和批评家彼得·雷纳尔·班哈姆（Peter Reyner Banham）等人。他们酝酿成立一个独立的艺术团体，这个团体迷恋新型的城市大众文化，而且特别为美国的表现形式所吸引。[1]（P.193-194）当时，美国经济因为二战得到飞速发展，在战后成为了世界第一大强国，率先进入了丰裕社会阶段，这对于战后物资匮乏的英国人来说具有非常大的诱惑力，成为他们向往的生活方式。20世纪50年代末期享乐主义在西方资本主义大国已站稳了脚跟，新一代的艺术家们顺应时代风气，发起了放荡的、轻浮的、反叛正统的、以取乐为中心的艺术。针对当时在欧美已不可一世的抽象表现主义以及那些反美学精神，他们讨论如何更好地运用大众文化，目的是致力于对”大众文化”的关注。他们努力要把这种”大众文化”从娱乐消遣、商品意识的圈子中挖掘出来，上升到美的范畴中去。在这一群青年画家中，有一位后来把自己艺术推向最大众化的拼贴艺术画家，他就是理查德·汉密尔顿。

作品欣赏：

《我的玛丽莲》是1965年汉密尔顿以一个摄影家拍摄的玛丽莲·梦露的照片中的一些连续镜头为基础创作的，作品以强烈的感情色彩探索了绘画中抽象形式和具体形象之间张力的关系。画面中的照片上留下的是梦露的影子，汉密尔顿大肆宣扬拍摄的梦露形象与把她毁掉的形象之间的强烈对比，把原有的照片修得更加狂荡、更加放肆，甚至变成她自损性格的某种隐喻。汉密尔顿通过其作品向大家宣布波普艺术的意义不在于原创，而在于对原创的作品进行符号化和象征性的复制和解构。

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《怀特里湾》中，汉密尔顿显示出新一代艺术家对这一类原形主题眼光的变化。他没有试图创造一个独特的人物，他的想象力来自实际的观察，逼真是他的目的。他以绘制明信片的方式表现了人们在怀特里湾的沙滩上嬉戏的场景，用类似于蜡笔的笔触表现平静的海面和沙滩，使人感觉像是一幅照片。但是艺术家缩小了人物的比例，将之画在画布上之后又在整个画面绘制了一些没有着色的人物，使观众感到眩目和纷乱的效果。在一系列的作品中，汉密尔顿试图寻找出大脑可以接受的变形，他研究把照片缩小到什么程度还能使观众可以辨认出来的符号化方法。

波普艺术总结：

在波普艺术产生之前，生活和艺术的界限是分明的，绘画和其他姊妹艺术很少发生联系，直到波普艺术的出现才打破了这种格局，消解了高雅艺术和通俗艺术的区别，让艺术走入平常生活。波普艺术冲破了原有绘画的界限，商品形象或工业设计品形象大量进入艺术创作中，对英国设计乃至后来国际上的设计风潮都产生了极大的影响，在由现代主义向后现代主义的转折中迈出了第一步。

作为波普艺术之父的汉密尔顿以其敏锐的观察力和创新精神创作出了一批具有特殊意义的作品。他常以流行的商业文化形象和都市生活中的日常事务为题材，因而带有许多时代性的符号，让人们产生既熟悉又惊异的情愫，这恐怕与他曾经长期从事设计教育有关。此外，饱和以及对比强烈的色彩、或逼真或夸张的形体、堆砌的符号都满足了人们对信息的渴求。他通过具有代表性的事物,以及使用视觉双关语和意味深长的标题，将大众文化上升到了美的范畴，使得美术作品不再是少数人享用的精神奢侈品，让人们看到艺术品也可以如此亲切地展现普通生活，而且充满了感官乐趣和亲切感。